Sala 6

Inscrito en el reverso por el artista: Fonction et variante/Paris 1939/G. Vantongerloo. Autografía y fecha del coleccionista Emiel Bergen asimismo en el reverso: E. Bergen 2002. Procede de Max Bill (Zurich), que lo regaló al crítico de arte Emiel Bergen (Bruselas) en 1981. La viuda de Bergen lo vendió a René Van Blerck en 1990. Se ha expuesto en diversas muestras, entre ellas Georges Vantongerloo, Musée Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruselas, 1981; Kunstaspekten rond de jaren 1920-1930, Modern Art c.v., Amberes, 1990; Georges Vantongerloo 1886-1965, Galerie Ronny van de Velde, Amberes, 1996; Georges Vantongerloo 1886-1965 Un pioneer de la sculpture moderne, Musée Départemental Matisse du Cateau-Cambrésis, Francia, 2007; Georges Vantongerloo. Un anhelo de infinito, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2009. El compositor Frank Agsteribbe lo copió en 2013 con indicaciones musicales.

Nace en Munich. Pintor y grabador célebre por el misticismo de la naturaleza que hay en sus pinturas de animales, estudia filosofía y teología, así como arte en la Academia de Munich. En 1903 su naturalismo académico se ve aligerado por el contacto con el impresionismo francés; después, las curvas del Jugendstil muniqués y el arte turbulento de Van Gogh le revelan el potencial emotivo de la línea y el color. En 1909 se une a la Nueva Asociación de Artistas, donde conoce a Macke. En 1910 conoce a Kandinsky, con quien edita Die Blaue Reiter, revista que dará nombre al nuevo grupo, dirigido por Kandinsky. En 1912, su admiración por Robert Delaunay y los futuristas italianos hace su arte cada vez más dinámico. La tendencia a un expresionismo puramente abstracto culmina en su últimas grandes obras. Muere en Verdún, durante la I Guerra Mundial. Hay obra suya en el Franz Marc Museum (Kochen am See, Alemania), los museos Guggenheim (Nueva York), MoMA, Metropolitan, Städel (Frankfurt), Stuttgart, Chicago, Boston, Los Ángeles, Thyssen (Madrid), National Gallery de Washington y Norton Simon Collection.

Pintor expresionista nacido en Bonn. Fue descubierto por August Macke y se formó como artista mientras trabajaba con él; algunas de sus obras fueron incluidas en la muestra de expresionistas renanos organizada por Macke en 1913. Expuso también en Der Sturm y otras galerías. Su producción –escasa al haber muerto tan joven-, con ecos del fauvismo, del cubismo y del futurismo, se inspira en su hogar en Renania y en su viaje a Inglaterra e Irlanda. Su manera de descomponer objetos en intrincadas formas aisladas y zonas de color enlaza con Robert Delaunay.

Procede de la herencia de Paul Joostens; pasó a la Wide White Space Gallery de Amberes; después, a Isi Fiszman (Bruselas), a Ronny van de Velde (Amberes) y a colección particular bruselense. Se ha expuesto en: Paul Joostens, Wide White Space Gallery, Amberes, 1970; Paul Joostens 1889-1960, International Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Ad Absurdum, Marta Herford, Herford, Alemania, 2008. Se halla reproducido en los catálogos de las dos últimas.

La obra procede de la herencia del artista; de Maurice Verbaet y su esposa (Amberes), pasó a Roberto Polo (Bruselas). Fue expuesta en las muestras Paul Joostens 1889-1960, Internationaal Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Belgische Kunst Een moderne eeuw I Collectie Caroline en Maurice Verbaet, Museum van Elsene, Elsene (Bruselas), 2012; y Joostens 1889-1960, MuZee, Ostende, 2014.

Se trata de un assemblage de 13 elementos. Lleva el sello del estudio (monograma) dos veces en la parte inferior y una en la parte de atrás. Es el objeto dadá más antiguo que se conoce del artista. Ha sido expuesto en numerosas muestras, entre ellas Paul Joostens 1889-1960, International Cultureel Centrum, Amberes, 1976; Paul Joostens 1889-1960, Belgisches Haus, Colonia, 1976; Surrealism in Visual Arts and Film, Retretti Art Centre, Punkaharju, Finlandia, 1987; Paul Joostens, Provinciaal Museum voor Moderne Kunst, Ostende, 1989; L’Avant-Garde en Belgique 1917-1929, Musée d’Art Moderne, Bruselas, 1992; Dada l’arte della negazione, Palazzo delle Esposizioni, Roma; Dada, Centre Pompidou, París, y The National Gallery of Art, Washington, D.C., 2005; Van Doesberg & the International Avant-Garde: Constructing a New World, Tate Modern, Londres, y Stedelijk Museum de Lakenhal, Leiden, 2010; Joostens 1889-1960, MuZee, Ostende, 2014; Modernisme, L’art abstrait belge et l’Europe, Museum voor Schone Kunsten, Gante, 2013. Se halla reproducido en los catálogos de la mayoría de ellas.

Arriba, en el centro, a lápiz el título en neeralandés: de geestelijke op het dorp, la fecha, 1919, y la firma, P. Joostens. Procede de Paul van Ostaijen (Amberes), de quien pasó a Roberto Polo (Bruselas).

Artista visual y escritor, nace en Amberes y estudia en su Academia de Bellas Artes. Creó los primeros collages y objetos dadá en 1916, tres años antes que Kurt Schwitters, a quien se suele atribuir esta hazaña, y los primeros architectons unos siete años antes que Malevich. Sus assemblages en cajas, hechos de materiales encontrados, combinan la austeridad formal del constructivismo con la fantasía del surrealismo; realiza también vigorosas pinturas poscubistas y futuristas. Sus primeras muestras individuales tienen lugar en 1917 en el Centre Artistique de Amberes y en la mítica galería Georges Giroux de Bruselas. Anarquista, junto con los dadaístas belgas Paul Neuhuys y Willy Koninck critica el orden establecido. Fue cofundador de De bond zonder gezegeld papier junto con Floris y Oscar Jespers y su amigo Paul van Ostaijen, el gran poeta vanguardista. También colabora con Léonard en las revistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Desde 1927 y en los años treinta se aleja de la vanguardia y se convierte en un ermitaño. Católico estricto, en esta época crea su estilo “gótico”, inspirado en los primitivos flamencos: pinturas impregnadas de misticismo religioso y erotismo pubescente. En 1935 realiza una magnífica serie de fotomontajes. Antes de la II Guerra Mundial su pintura se llena de temas alucinatorios y fantásticos. Desde 1946 hasta su muerte domina la figura femenina, ya como la Virgen, ya como las prostitutas de los barrios populares de Amberes. Hay obras suyas en museos como los de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas y el de Gante; se han expuesto en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Stedelijk Museum Lakenhal de Leiden y Tate Modern de Londres. La última retrospectiva se presentó en 2014 en el Mu.Zee de Ostende. El Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou dedicó un importante capítulo a Joostens en el catálogo de su exposición Dada.

Nace en Filadelfia. Pintor, dibujante y escultor, trabaja en el ámbito del surrealismo americano, pero cultiva también el cubismo, el realismo social y la abstracción. En 1925 marcha a París; es el primero de sus viajes a Europa. En 1946, impresionado por los tejidos peruanos, inicia un nuevo estilo. Un elemento característico de su pintura son unos gigantescos insectos de tamaño parecidos a mosquitos.  De sus maestros, Jean Auguste Adolphe, Alexandre Portinoff, Arthur Carles y Earl Horter, hay que destacar el interés de este último por el cubismo, que, sin duda junto con su colección de pintura, influyó en las obras abstractas de Kelly en su época temprana, entre 1919 y 1925.Tiene obra en el Metropolitan de Nueva York, el Whitney Museum of American Art, el MoMA y el Museo de Filadelfia, entre otros.

Esta obra aparece firmada a lápiz en el ángulo inferior izquierdo: Léon Kelly, y a pluma en el reverso, en el centro:Léon Kelly . Procede de Michael y Marilyn Gould.

Nace en Gante (Bélgica). Se gradúa como ingeniero civil en la Universidad de Gante. Autor en revistas de prestigio y novelista, cultiva la pintura de forma autodidacta. Su participación activa en el Consejo de Flandes, creado en 1917 por partidarios de la independencia flamenca y apoyado por Alemania, deriva en una condena a muerte; huye a Holanda al acabar la guerra y se instala en Middelburg, donde trabaja en proyectos de construcción. En 1923, una enfermedad le obliga a abandonar la ingeniería y se centra en la creación. En 1924 muestra en el Middelburg Kunstmuseum su obra, de estilo expresionista y con un profundo simbolismo, en la línea de pintores flamencos como Permeke y Gustaaf de Smet. Se inspira en paisajes, barcos y puertos, hombres y mujeres de Walcheren; hace también obras de carácter más abstracto. Desde 1929 pasa largas temporadas en París, donde expone su obra y conoce a Picasso y Chagall. En 1940 su estudio y gran parte de sus obras perecen en el incendio de Middelburg. En 1942 expone en el Museo Frans Hals de Haarlem; en 1952, en el Museum Het Prinsenhof (Delft) y en 1962 en el CAW aan de Meir de Amberes. También expone en el Stedelijk Museum y el Rijksmuseum de Ámsterdam. En 1997 se celebra en el Singer Museum de Laren una retrospectiva que luego va al Museo Zeeuws de Middelburg. Hay obra suya en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Bojmans, Bellas Artes de Amberes, Zeeuws de Middelburg o Arte Moderno de Caracas.

Pintor, artista gráfico y diseñador nacido en Amberes. Forma con Donas, Eemans, Flouquet, Léonard, Maes, Servranckx y Vantongerloo el grupo de los primeros artistas abstractos de Bélgica. En 1913 ingresa en la Academia de Bellas Artes de Amberes, aunque lo que más le interesa es la experimentación personal. En 1914 está ya pintado paisajes y retratos “luministas”. En 1915-1917, inspirado por la teosofía, se aproxima al simbolismo. En 1918 conoce a Marinetti y se une al movimiento futurista. Con Van Dooren y Cockx funda en Amberes el grupo Arte Moderno, que establece contactos internacionales, por ejemplo con la galería Der Sturm, centro berlinés de la vanguardia, y organiza tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Expone su primer cuadro abstracto en 1920. Participa en muestras internacionales como las de Ginebra en 1921 y Budapest en 1924. Colabora con revistas vanguardistas como Het Overzicht, que había cofundado en 1921, al igual que en 1925 De Driehoek, que apoyaba el constructivismo. Tiene obra en el Musée National d’Art Moderne del Centre Georges Pompidou de París, el Museo de Bellas Artes de Gante y los Reales Museos de Bellas Artes de Bélgica en Amberes y Bruselas. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, como el Lakenhal de Leiden o la Tate Modern de Londres.

Nace en Colonia (Alemania). A los siete años, durante un tratamiento radiológico experimental, sufre graves quemaduras que le marcan profundamente. En 1910 empieza a estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Colonia. En 1919 conoce a Max Ernst y colabora con él en distintas actividades del movimiento dadaísta, del que se desmarca cuando crea, junto a Heinrich Hoerle y Anton Räderscheidt, el grupo Stupid, en la línea del constructivismo, que seguirá como pintor y escultor. Sus ideas comunistas lo llevan a colaborar en la revista Die Aktion. En 1923 celebra su primera gran individual en el Kunstverein de Colonia, siendo ya uno de los líderes del Grupo de Artistas Progresistas, creado tras la I Guerra Mundial, muy activo políticamente e identificado con el comunismo y el anarcosindicalismo. En 1929 funda la revista Az para difundir el constructivismo figurativo. Cuando Hitler asume el poder en 1933, Seiwert huye al Siebengebirge; sus amigos lo convencen de que regrese por su frágil salud, pero muere ese mismo año. Su obra puede verse en el MoMA, el Centro Pompidou (París), la National Gallery of Art (Londres), el Harvard Museum of Art y el Akron Art Museum (Ohio) o el Los Angeles County Art Museum.

Nace en Pochinok, cerca de Smolensk, en el seno de una familia judía. En 1903 empieza a estudiar con Pen, maestro también de Chagall. En 1909 marcha a Alemania a estudiar arquitectura; viaja a París e Italia y en 1915 se instala en Moscú. En 1917 expone con el grupo Mir Iskusstva (Mundo del Arte); tras la Revolución se dedica a diversas actividades culturales judías: editor e ilustrador de libros, fundador de la Sociedad para el Fomento del Arte Judío y organizador de la Exposición de Pintura y Escultura de Artistas Judíos. En 1919 es invitado por Chagall a enseñar arquitectura y artes gráficas en la Escuela de Vitebsk. Adopta el suprematismo y desarrolla el concepto de PROUN como intermediario entre la arquitectura y la pintura. En 1920 entra en el moscovita INKhUK (Instituto de Cultura Artística) y en 1921 es profesor en los VKhUTEMAs. En 1922 funda con el poeta Ehrenburg la revista Object; defienden un compromiso entre el concepto tradicional de arte y el constructivista de arte de producción. En los años veinte viaja con frecuencia a Occidente y actúa como enlace entre los vanguardistas rusos y los occidentales: con los dadaístas, la Bauhaus en Alemania y De Stijl en Holanda; participa en exposiciones y colabora en revistas de la vanguardia. Desde 1925 vive casi siempre en Rusia; diseña interiores y muebles en los VKhUTEMAs. En 1925 concluye su utópico proyecto de rascacielos Estribanubes. En 1929 hace un modelo para una producción teatral. Posteriormente trabaja sobre todo en el diseño de exposiciones en Alemania y Rusia. En los años treinta se dedica también a la fotografía y al fotomontaje. En 1928 se une al grupo Octubre y en 1930 publica su informe sobre la arquitectura soviética. Sus últimas obras son carteles antifascistas, que crea hasta su muerte. Hay obra suya en los museos de Chicago, Dallas, San Francisco, Guggenheim de Nueva York, Metropolitan, MoMA, Ludwig (Colonia), Thyssen (Madrid); galerías nacionales de Escocia y Canadá; Tate, Basilea, colecciones Norton Simon y Peggy Guggehnheim (Venecia).

Nace en el condado de Wexford, en Irlanda, en una familia aristocrática. Estudia en la Slade School of Fine Arts de Londres de 1898 a 1902. Se inicia en la pintura pero cuando se instala en París en 1907 se interesa por el lacado de muebles, que aprende con el maestro japonés Seizo Sougarawa. En 1913 expone en el Salon des Artistes Décorateurs y llama la atención del coleccionista Jacques Doucet, para el que realiza la famosa mesa Lotus y la pantalla de cuatro paneles titulada Le destin. En 1922 abre su propia tienda, la Galerie Jean Désert. Sus propuestas se apartan de lo meramente decorativo y se caracterizan por su abstracción, sencillez y funcionalidad. Máxima representante del Art Deco, son muy apreciados sus muebles con tubos de acero cromado y cristal. Su vida personal es muy intensa: conduce ambulancias durante la I Guerra Mundial en París; forma parte de los círculos de lesbianas de su época, junto a Romaine Brooks, Gabrielle Bloch, Loie Fuller o Natalie Barney, y mantiene una relación íntima con el arquitecto rumano Jean Badovici, que la impulsa a experimentar directamente con la arquitectura. En 1926 proyecta la célebre casa E.1027 (Francia), que despierta la admiración de Le Corbusier y acaba siendo motivo de conflicto entre ambos. En 1972 la Royal Society of Arts reconoce su trayectoria como diseñadora, arquitecta y artista otorgándole la distinción de Royal Designer for Industry. Hay obra suya en el Metropolitan y en el Victoria & Albert.

Nace en Mol (Bélgica), pintor y diseñador de artes aplicadas, pertenece a la primera generación de artistas abstractos belgas. Asistió a la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde conoció a Flouquet, Magritte y Servranckx. Terminada la guerra, experimentó con el neoimpresionismo, el futurismo y el poscubismo; pronto rechazó la figuración en favor de un arte geométrico y biomórfico. En 1920 se suma al grupo vanguardista Centro de Arte de Amberes; ese año participa en la Exposition Internationale d’Art Moderne de Ginebra con Cockx, Magritte y Peeters, en 1923 en Les arts belges d’esprit nouveau, en el Palais d’Egmont de Bruselas, y en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas en Monza. En 1922 firma (el único belga) el manifiesto de De Stijl. Es cofundador del grupo revolucionario 7 Arts. En 1927, un artículo en la revista epónima describe su obra como la «plastique pure», un arte categóricamente concreto, una evolución extrema del cubismo. En esa época enseña en la Bauhaus. Se le han dedicado retrospectivas. Se le han dedicado retrospectivas en Amberes,1992, y Bruselas, 2007. Tiene obra en los Archivos de Arquitectura Moderna de Bruselas, el MoMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Bruselas, Amberes y Gante, y en el Museo de Lakenhal en Leiden, la Tate Modern en Londres y muchos otros.

Esta obra lleva en el reverso el monograma KM en el ángulo inferior derecho y el sello de cera de la familia del último propietario en el ángulo superior derecho. Herman Maes, nieto del artista y fideicomisario de su archivo familiar, ha confirmado la autenticidad de la obra. De la herencia de Karel Maes pasó a Pieter Albertyn, de Amberes.

Firmado en el anverso, ángulo inferior derecho: KM. En el reverso lleva la inscripción a lápiz H vd Velde.

Acompaña al cuadro un certificado de autenticidad emitido por Herman Maes, nieto del artista. Procede de Piet Maes, el hijo del artista; heredado por Herman Maes; después, de Walter Daems, St. Truiden (Flandes), Bélgica.

Nace en Amberes. Es uno de los primeros artistas no figurativos de Bélgica. Sus primeras obras abstractas, influidas por el Art Nouveau, el cubismo y el futurismo, datan de 1912. Después le influyeron los artistas de De Stijl. Es uno de los principales modernistas de Amberes junto con el gran poeta vanguardista Paul Van Ostaijen y artistas como Paul Joostens, Jozef Peeters y otros. Colaboró con Joostens en las revistas vanguardistas Sélection, Ça ira y Het Overzicht. Después de 1925 trabaja como innovador diseñador de libros, publicidad e interiores; importantes editores recurren a él. Su obra atrajo mucha atención cuando se expuso en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en 1987. Muchas de sus obras se inspiraron en la I Guerra Mundial y en la música de Arnold Schoenberg; en ocasiones representan figuras humanas abstractas con una sensibilidad cercana a la de Archipenko, o nocturnos y metrópolis futuristas próximos a los de Van Dooren. En 1973 donó al Museo Plantin-Moretus de Amberes más de 700 obras sobre papel, lo que hizo que fueran muy raras en el mercado. En 1987 su obra entró en las colecciones permanentes de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas y Amberes.

Nace en Dresde. Es fotógrafo, pintor y profesor de arte. Estudia en la Escuela de Bellas Artes de Dresde y posteriormente presta servicio como soldado en la I Guerra Mundial. Terminada la contienda, continúa su formación con Richard Müller y Otto Gussmann. En 1923 celebra su primera exposición de sus fotogramas en la histórica galería Der Sturm. Establecido en Berlín, entabla relación con las vanguardias de la capital y utiliza técnicas experimentales; los nazis lo incluirán en la muestra de “arte degenerado”. Tras la II Guerra Mundial se integra en un grupo de artistas que adopta la denominación “Llamamiento a un arte en libertad”. Participa en la polémica del realismo socialista y el formalismo que tuvo lugar en la República Democrática Alemana; su obra no fue expuesta hasta 1949-1959. En 1967 ocupa un puesto de profesor en la Academia de Cine y Televisión de Potsdam.

Esta obra fue dedicada y regalada por el artista en 1926 a Nell Rosland Walden (Berlín), pionera de la pintura abstracta en Suiza y segunda esposa de Herwarth Walden, creador de la revista Der Sturm (1910) y de la galería del mismo nombre (1912) en Berlín, dedicadas a las nuevas tendencias artísticas.

Nace en Hannover (Alemania). Estudia en las Academias de Dresde y Berlín y en 1918 expone sus primeras obras, cubo-futuristas, en Der Sturm. Atraído por la naciente escuela dadá y rechazado por el círculo berlinés, formó su propia variante en Hannover; empezó a crear composiciones con objetos cotidianos de desecho; sus poemas son también una mixtura de materiales impresos. Se refería a todas sus actividades artísticas –y después también a todas sus actividades cotidianas y a él mismo- como Merz, una palabra sin sentido derivada de Kommerz. En 1922 recibe la influencia de De Stijl y se acerca al constructivismo; en 1927 funda Die Abstrakten Hannover, junto a Friedrich Vordemberge-Gildewart. En 1930 participa en las actividades del grupo Cercle et Carré y en 1932 se suma a Abstraction-Création. En 1937 marcha a Noruega; cuando los nazis invaden el país escapa a Inglaterra. En sus últimos años combina Merz con una vuelta a la figuración. En 1994 se crea en el Museo Sprengel (Hannover) el Archivo Kurt Schwitters, un centro de investigación internacional. Hay obra suya en los más importantes museos de arte contemporáneo del mundo, como el MoMA o la Tate Gallery de Londres.

Firmado y fechado en el reverso, arriba a la derecha: Pot de Cinéraires/Donas/Sceaux avril 1923.

Portada de revista con título

Firmado y fechado en el anverso, abajo a la derecha: Donas 1927. La artista la vendió a Maurits Bilcke, famoso crítico belga de arte, en 1961. La Fundación Marthe Donas confirmó la autenticidad y fecha del cuadro, que la artista incluyó en el inventario de su obra para el año 1927. Su hija, Françoise Franke van Meir, las confirmó igualmente y recuerda haber visto la obra en casa cuando era pequeña.

Nace en Amberes. A sugerencia de su amigo Van Doesburg, para evitar prejuicios por ser mujer firma también obras como Tour d’Onasky y Tour Donas. Según Katherine Dreier, fundadora de la legendaria Société Anonyme, es “la primera pintora abstracta de Bélgica”. Se forma en la Koninklijke Academie voor Schone Kunsten (Amberes); en 1916 estudia el arte de la vidriera en Irlanda. La exposición de André Lothe (París) la introdujo en el cubismo. Sus primeras obras plenamente abstractas y poscubistas datan de 1917. Fue también una precursora del surrealismo. En 1918 ingresa en la célebre Section D’Or (París), que se inspira en el cubismo y el orfismo. La mayor contribución de Donas al arte moderno es haber sido la primera en empujar el cubismo a la abstracción. En 1919, Van Doesburgh publicó en De Stijl varios artículos sobre ella situándola entre los protagonistas del arte moderno. En 1920 expuso en Der Sturm, la galería de Herwarth Walden y centro vanguardista de Berlín; compraron todas las obras Walden y Katherine Dreier, quienes, aconsejados por Marcel Duchamp, reunieron una impresionante colección de piezas maestras de la vanguardia  internacional, núcleo de las colecciones de la Yale University Art Gallery (New Haven) y del MoMA. Expuso de nuevo en Der Sturm en 1923. El The Palais des Beaux-Arts (Bruselas) presentó una retrospectiva suya en 1960. Su producción se ha mostrado en el Museum voor Schone Kunsten (Gante), Von der Heydt (Wuppertal), Bellas Beaux-Arts de Belgique (Bruselas y Amberes) o la Tate Modern (Londres). En cooperación con la Yale University Art Gallery y la Fundación Archipenko de Bearsville (Nueva York), el Museum voor Schone Kunsten (Gante) presentó una importante muestra de su obra en 2016.

Marthe Donas conoció a Alexander Archipenko en 1917. Las revolucionarias shaped paintings de la artista belga revelan la influencia de las esculto-pinturas del ruso, probablemente inspiradas en los iconos rusos. Donas describió la técnica que usó en estas pinturas, que creó en sus capitales años 1917 y 1919, como facture épaisse en relief. Sin embargo, mientras que las esculto-pinturas de Archipenko, como los iconos rusos, tienen fondos cuadrangulares convencionales, Donas elimina el fondo, creando así las primeras shaped paintings de la historia del arte occidental, que prefiguran las del pop art americano de la década de 1960 (Jim Dine, James Rosenquist y Tom Wesselmann). Además, estas obras tienen las mismas formas irregulares de lo representado, convirtiéndose así en objetos, en pinturas objeto. Donas compuso este cuadro siguiendo la silueta de un huevo, símbolo de la maternidad, que es su tema.

Firmado al óleo por la artista en el anverso, abajo hacia la derecha: Tour Donas. El reverso contiene la inscripción al óleo por la artista

Nace en Waldheim (Alemania): estudia en la Escuela de Artes Aplicadas de Dresde y posteriormente en la Academia de Bellas Artes de Munich y, durante seis meses, en la Académie Julian de París. En 1898 inicia una estancia en Roma y se interesa por la escultura. A principios del siglo XX se dedica sobre todo al desnudo idealizado, que moldea y contorsiona; se percibe la influencia de Rodin y Maillol. En 1903 se establece en Berlín; es miembro de la Sezession y en 1913 se pasa a la Freie Sezession. En 1915 se alista voluntario; en el ejército se le encarga el diseño de memoriales de guerra. En 1919 es elegido miembro de la Academia de Berlín. Su obra de los años 30 posee una monumentalidad más heroica que atrae a los jerarcas nazis; se integra en la estructura de la Cámara de Cultura del Reich.

Pintor y grabador celebrado por sus paisajes y grabados expresionistas, nació en Rottluff (Sajonia, Alemania) y empezó a estudiar arquitectura en Dresde, donde conoció a Kirchner y a Heckel.Juntos formaron el grupo expresionista Die Brücke y presentaron su primera exposición en Leipzig. Añade a su nombre el de su población natal, Rottluff. En obras como Día de viento (1907) deja ver la transición de su estilo temprano al maduro de obras como Autorretrato con monóculo (1910), caracterizado por atrevidos colores disonantes. En 1911 se traslada a Berlín; numerosas obras de este período revelan su nuevo interés por el cubismo. Cuando los nazis suben al poder se le prohíbe pintar y es expulsado de la Academia Prusiana de las Artes; en 1937 se retiran de los museos muchas de sus pinturas y se incluyen algunas en la exposición Arte degenerado. En 1947 es contratado como profesor en la Universidad de las Artes de Berlín. Alemania le homenajea con numerosas retrospectivas y en 1956 recibe la medalla Pour le Mérite, la más alta distinción de Prusia. En 1964 es el principal promotor del Brücke Museum de Berlín, inaugurado en 1967 con las obras donadas por él y otros miembros de grupo. Sus obras pueden verse en el MoMA, Los Angeles County Museum, Muscarelle Museum of Art (Williamsburg), Museum am Theaterplatz (Chemnitz)…

Esta obra fue encargada al artista por Wilhelm Niemeyer, de Hamburgo, cuyos descendientes lo prestaron al Landesmuseum Schleswig-Holstein hasta 1999; en 2008 la vendieron (Christie’s, Londres, Old Master, Modern and Contemporary Prints); fue adquirida por Ronny van de Velde, de Amberes, quien la vendió en 2012 (De Vuyst, Lokeren, 12 de mayo de 2012, Oude Meesters, Moderne en Hedendaagse Kunst) a su actual propietario.

Tras ser clasificado como “artista degenerado” y serle prohibida la creación artística, sus obras fueron robadas por funcionarios nazis, escondidas (muchas reaparecieron en el Hermitage de San Petersburgo, donde permanecieron), quemadas o vendidas en pública subasta en Suiza. Los historiadoras del arte coinciden en reconocerlo como uno de los los expresionistas alemanes más importantes. Schmidt-Rottluff no se veía sólo como pintor, escultor y grabador; también se interesaba por las artes aplicadas, tal vez motivado por el concepto de Gesamtkunstwerk u obra de arte total. Fue tal vez durante su estancia en el Fiordo Hardanger, en Noruega, en el verano de 1911, y posiblemente por influencia del arte popular noruego, cuando creó sus primeras obras de este tipo, que empezó a exponer ese año y al siguiente en una muestra en Colonia, uno de cuyos organizadores, Wilhelm Niemeyer – profesor de la Kunstgewerbeschule de Hamburgo e impulsor de la modernización de las artes aplicadas alemanas-, fue uno de los primeros coleccionistas que adquirieron obras del artista en esta modalidad, entre ellas el presente textil. El proyecto de diseño más importante de Schmidt-Rottluff fue encargado por Rosa Schapire en 1921 para el interior de su piso de Osterbekstrasse de Hamburgo; el proyecto, que incluía muebles, alfombras y diversos objetos de madera y metal, fue en parte confiscado y vendido como “arte degenerado” por el gobierno nazi y en parte destruido en los bombardeos de la II Guerra Mundial.

Nace en Colonia. Empieza de aprendiz con Wilhelm Kuhn; en 1899-1900 trabaja pintando decorados para muchos teatros de Alemania y el extranjero, y para la Ópera de Berlín. Tras la I Guerra Mundial se establece en Berlín; pinta escenas de la vida en los barrios de esta ciudad dentro del estilo de la Nueva Objetividad. En 1927 empieza a exponer escenas urbanas y paisajes; tendrá que dejar de hacerlo con la subida al poder de los nazis y sobrevive coloreando películas. Terminada la guerra, no tiene ocasión de volver a ejercer su profesión, pues muere al beber agua envenenada en el confuso Berlín de 1945.

Pintor y diseñador gráfico, nace en Amberes. En 1911 ingresa en la Real Academia de Bellas Artes de Amberes, donde sorprende por su osadía cromática. Sus primeras obras, de 1914, son paisajes impresionistas en plein air. En la Academia entabla amistad con Jozef Peeters. Entre 1916-1919 ambos tienen una pasión común por representar metrópolis futuristas. Sus pinturas prefiguran las imágenes de la película Metrópolis de Fritz Lang (1927). Cultivan también un tipo de estilo simbolista y romántico relacionado con su adoración por la música de Wagner. Influido por Robert Delaunay, la obra de Van Dooren se hace cada vez más abstracta. En 1918 funda con Peeters el grupo Arte Moderno, del que foman parte Cockx, Léonard y Maes; establecen contacto con Der Sturm y organizan tres congresos de arte acompañados de exposiciones. Utiliza la técnica del grabado al linóleo, que favorece la abstracción geométrica. Sin embargo, su arte evoluciona hacia unas visiones de una utopía futurista, a menudo impregnadas de veneración por la máquina. Su imaginería futurista prefigura muchas películas de Spielberg. Expuso en Breda y Amberes (1956 y 1963); desde los años 70 se ha incluido obra suya en numerosas exposiciones sobre la vanguardia belga, entre las que destaca Modernisme. L’art abstrait belge et l’Europe (Museo de Bellas Artes de Gante, 2013). Tiene obra en dicho museo y en el de Amberes, entre otros.

Nace en Amberes; es el más célebre pionero belga de la pintura y la escultura abstractas. Estudia en la Académie royale des beaux-arts (Amberes y Bruselas). De 1914 a 1918 vive en Holanda; en 1917 expone en el Cercle Hollando-Belge. Después crea obras abstractas puramente geométricas; aunque sus composiciones a modo de rejilla puedan parecer arbitrarias, están determinadas por relaciones matemáticas. Conoce al futurista belga Schmalzigaug y a Mondrian, Van der Leck y Van Doesburg. En 1924 publica su panfleto L’Art et son avenir. En 1931 expone en el Musée des Arts Décoratifs (París) y es elegido vicepresidente de la asociación de artistas vanguardistas Abstraction-Création. En 1936 participa en la muestra Cubism and Abstract Art del MoMA. Expone con Bill y Antoine Pevsner en el Kunsthaus (Zurich) en 1949. Su 75 cumpleaños se celebró con una individual en la galería Suzanne Bollag (Zurich); en 1962 se presentó una amplia retrospectiva en la nueva galería Marlborough (Londres); con posterioridad ha habido muchas otras. Su obra está representada en innumerables colecciones públicas: Art Institute (Chicago), Groeningemuseum (Brujas). Kroller-Müller (Otterlo), Centre national d’art et de culture Georges Pompidou (París), colección Berardo (Lisboa), MoMA (Nueva York), Museum voor Schone Kunsten (Gante), Reales Musées royaux des beaux-arts de Belgique (Amberes y Bruselas), Solomon R. Guggenheim (Nueva York) y Tate Modern (Londres).

Nace en Bruselas. Es pintor, dibujante, grabador, litógrafo y escultor; es uno de los primeros artistas abstractos belgas. En 1912 le seducen las tesis místicas del teósofo sueco Swedenborg y se convierte a la Iglesia de la Nueva Jerusalén. Desde 1923 participa en las exposiciones de La Lanterne Sourde, 7 Arts y Les Peintres Constructeurs; en 1924 es profesor de dibujo en el Instituto de Artes y Oficios de Bruselas; en 1925 funda con Flouquet y otros el grupo L’Assaut. En 1971 es elegido miembro de la Academia de Ciencias, Letras y Bellas Artes de Bélgica, sección de Artes Plásticas. Pinta vistas urbanas, paisajes, marinas, retratos, desnudos y naturalezas muertas; hay obra suya en museos de Bélgica y también de Estados Unidos, Israel, Francia e Irlanda.

El Paraíso carmesí fue propiedad de la reina Isabel de Bélgica, de quien pasó al Dr. Kyriakidis, representante europeo de Grecia en Bruselas. El reverso lleva el rótulo RE (reina Elisabeth) y el número de inventario manuscrito 945.

Pintor y grabador; miembro destacado del grupo expresionista alemán Die Brücke y conocido sobre todo por sus desnudos y paisajes. Nace en Zwickau (Alemania); en 1900 marcha a estudiar a Dresde. En 1906 se une a Die Brücke; ello y su conocimiento de las obras de Matisse lo llevan a usar discordantes combinaciones de colores de efectos muy emotivos. En 1910 es uno de los fundadores de la Neue Sezession berlinesa. En 1914 viaja al Pacifico Sur, donde pinta asuntos exóticos en un estilo primitivista. De regreso en Alemania diseña vidrieras y mosaicos y ocupa un puesto docente en Berlín. Es obligado a dimitir cuando los nazis declaran “decadente” su obra; no volverá a ocupar su cargo hasta después de la guerra.

Es una obra muy representativa de los cambios que experimenta el arte en el paso del siglo XIX al XX y en concreto del expresionismo alemán, al sustituir la representación objetiva de la realidad por la experiencia del artista, su expresión y su efecto sobre el espectador. El año 1909 es clave en la evolución de Pechstein con su primer viaje a Nidden (Báltico): en contacto con la naturaleza, crea en libertad y madura su estilo; esos dos años suponen la culminación de su arte, que funde forma, color y expresión. Es también una fecha fundamental por marcar el comienzo de la plenitud de Die Brücke, que recibe el decisivo estímulo del fauvismo.

Nace en Moscú; tras aprender música y pintura, estudia derecho y economía en la Universidad moscovita, donde enseñará desde 1892. Descubre a Rembrandt, a los impresionistas y a Wagner y decide dedicarse a la pintura. Se traslada a Munich y estudia con el pintor Anton Azbe y en la Academia. En 1902 expone por primera vez con la Berliner Sezession y en 1904 en el Salón de Otoño de París. Se inspira en la música de Arnold Schönberg y en los escritos de Wilhelm Worringer. Con Franz Marc funda el grupo expresionista Der Blaue Reiter; en 1911 celebran su primera exposición en la galería Tannhäuser de Munich. Esos años elige el camino de la abstracción pura; sus ideas teóricas se encuentran en escritos como De lo espiritual en el arte o Punto y línea sobre plano. En 1914 se traslada a Suiza y luego a Moscú; en 1917 es miembro del Comisariado Popular de Instrucción Pública. Cuando se impone el realismo socialista regresa a Alemania y da clase en la Bauhaus, que cerrarán los nazis en 1933; su arte es considerado “degenerado” y él huye a París; en Neuilly-sur-Seine su pintura recupera la abstracción libre de sus primeros años. Hay obra suya en grandes museos como el MoMA, Solomon R. Guggenheim de Nueva York, Musée National d’Art Moderne de París, Neue Pinakothek de Munich, Ludwig de Colonia o Galería Trétiakov.

En el verano de 1908 Kandinsky y su pareja, la pintora Gabriele Münter, descubren Murnau, cerca de Munich; será para él un paraíso terrenal y el lugar donde reelabore sus planteamientos artísticos, que muy pronto lo conducirán a la abstracción pura. Al año siguiente compran un casa, en la que pasarán temporadas hasta 1914. En sus repetidas estancias pinta muchos pequeños estudios al óleo de Murnau, generalmente, como aquí, una calle ancha en perspectiva hacia el fondo con colores vivos y contrastados, o bien caminos de campo.

Nace en Douai (Francia). La primera vez que expone en el Salón, en 1881, cambia su apellido, Delacroix, por la forma en inglés Cross para no ser confundido con Eugène Delacroix; al principio usa sólo el nombre Henri pero luego utiliza Henri-Edmond para evitar confusión con el escultor Henri Cross. Estudia en Lille con Alphonse Colas. En 1884 participa en la fundación de la Sociedad de Artistas Independientes. La influencia de Seurat y Signac lo hará adherirse al puntillismo. Antes se hallaba en la órbita de Manet y los impresionistas, pero en 1891 realiza su primera obra neoimpresionista. Se establece en el sur de Francia; pinta marinas y escenas de la vida campesina desde un punto de vista cercano al anarquismo. A mediados de los 90, Signac y él abandonan los puntitos de color por una técnica a modo de teselas de mosaico, un estilo importante en la formación del fauvismo. Hay obra suya en el Hermitage, el Musée d’Orsay, el Metropolitan y el Thyssen de Madrid, y en los museos de Chicago, San Francisco, Colonia…

La fecha aproximada de esta pintura, 1891, marca el punto de inflexión en la vida y el estilo del artista: en marzo muere Seurat, que había pasado su último verano precisamente en Gravelinas, cerca de Dunquerque, pintando paisajes y planeando El circo, su obra postrera. Rechazada su Baño en Asnières por el jurado del Salón oficial en 1884, Seurat decide fundar con sus amigos la Société des Artistes Indépendents. Al año siguiente el divisionismo o puntillismo está ya plenamente formulado y a él se adhieren varios artistas además de Cross: Signac, Dubois-Pillet, Maximilian Luce o el belga Van Rysselberghe, además de Pissarro, temporalmente; asimismo atrae la atención de Gauguin, Van Gogh y Regoyos.

También en 1891 realiza su primera obra puntillista, un retrato de su esposa, y por razones de salud se instala definitivamente en el sur, primero en Cabassa y luego en Saint-Clair, cerca de Saint-Tropez, donde va Signac. Éste, el principal representante del movimiento tras la temprana desaparición de su creador, fue un gran viajero y pintó los puertos franceses. El de Gravelinas, en la luminosa y colorista visión de Cross, es una excelente muestra de la interpretación de un estilo tan riguroso por parte del artista de Douai, quien, valiéndose de puntos más grandes y de un cromatismo resplandeciente, ejercería una influencia en los comienzos del fauvismo en la obra de Matisse, Derain y Braque. Si la fecha asignada a este cuadro es correcta, significa una anticipación a este posterior desarrollo.

Nace en Monthermé (Ardenas, Francia); la familia se establece en Bélgica. Pintor autodidacta, entra en contacto con los poetas simbolistas belgas y pertenece al grupo Les XX. Viaja mucho y pinta vistas de Italia, Austria y Francia; entre 1900 y 1902 vive en las Baleares, dedicado a pintar paisajes. Hay obra suya en el Musée d’Orsay, Kröller- Müller de Otterlo y Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique de Bruselas, entre otros.

Esta obra se conoce también como Los amantes. El artista es casi desconocido en España pero goza de celebridad en el ámbito del simbolismo centroeuropeo. Halló inspiración en poetas simbolistas franceses como Stéphane Mallarmé y Rémy de Gourmont, pero sobre todo en el poeta y novelista simbolista belga Georges Rodenbach. Son muy representativos de su estilo sus imágenes misteriosas de casas y panoramas de bosques, y sobre todo parques de noche con farolas que proyectan enigmáticas sombras, como La casa rosada (1892), que transmiten la atmósfera de magia y misterio de sus obras; se ha dicho que influyó en el surrealismo, sobre todo en Magritte, cuatro décadas más joven, por sus efectos lumínicos.

Nace en Wil (Suiza); es escultor, dibujante y artista gráfico; trabaja en Zurich y en Sant’Abbondio, donde se crea a su muerte la fundación que lleva su nombre. Es hijo de un orfebre y aprende este oficio. En 1906 ingresa en la Kunstakademie de Munich; en 1908 se traslada a Roma y empieza a dedicarse a la escultura. Entre 1910 y 1914 vive en Berlín, pero pasa temporadas en Italia. Al estallar la guerra regresa a Wil y después a Berlín; en 1919 vuelve definitivamente a Suiza; se afincará en Zurich, donde muere.

La obra procede de la herencia de Odette Valabregue Wurzburger (francesa, nacida en Aviñón y fallecida en Cleveland en 2006), filántropa, profesora de Derecho, cofundadora de la Cleveland International Piano Competition y miembro condecorado de la Resistencia francesa. Una escultura similar de madera, con el mismo título y fecha y 79,5 cm de alto, fue donada por el barón August Freiherr von der Heydt al Museo de Bellas Artes de Weimar. El Museo Von der Heydt de Wuppertal posee otra escultura parecida, documentada y reproducida en el catálogo de la colección de escultura de dicho museo.

Nace en Argel. Es un pintor, grabador y diseñador del ámbito simbolista. Primero pinta escenas orientalistas de Argelia; en 1888 marcha a París y estudia en la Academia de Bellas Artes con Auguste Herst y Fernand Cormon. A partir de 1890 expone en la Sociedad Nacional de Bellas Artes. Le influyen Ruskin y los prerrafaelitas; es miembro del primer grupo nabi. Viaja a Italia y ve La Primavera de Botticelli; este artista y Leonardo le causan una gran impresión y se propone resucitar el arte de los siglos XV y XVI. Luego se adhiere plenamente al simbolismo; en 1896-1901 reside en Marlotte y funda el taller Haute-Claire, no lejos de la sede de la escuela de Barbizon. Con el cambio de siglo se interesa de manera creciente por las artes decorativas y quiere emular a William Morris.

Tallado por el escultor Charles Virion (1865-1946) sobre diseño de Point, el Armario procede del dormitorio del propio artista. En una pata de la cama, que forma parte del mobiliario del dormitorio, aparece la firma “AP” con las letras entrelazadas. Fue diseñado por Armand Point, para su uso personal, en la Association de la Haute Claire de Marlotte, en el bosque de Fontainebleau. Inspirándose en la Red House de William Morris, Point fundó la Association de la Haute Claire en 1892; fue la primera colonia de artistas en Europa continental creada con la finalidad de producir obras de las artes decorativas diseñadas por un artista. Point se rodeó de artesanos que transcribieron sus dibujos a metal, esmalte, madera y otros soportes, a menudo utilizando técnicas del Renacimiento italiano caídas en el olvido. Expuesto en 2006-09 en el Musée des Arts Décoratifs de París.

Nace en Versalles en una familia acomodada; no necesita vivir del arte y no vende sus pinturas. Es pintor y escultor; estudia con Henri Gervex and Alfred Philippe Roll en la Académie Julian. Admira sobre todo a Gauguin; su obra es simbolista y recuerda a las estampas japonesas. Pasa los veranos en la costa de Bretaña; establece relación con los nabis, muy interesados en Gauguin y en la búsqueda de un lenguaje pictórico más expresivo en forma y color. Pinta escenas bretonas y el mar. Hacia 1893 conoce a Gauguin y empieza a tallar sencillas esculturas en madera. Hay obra suya en el Musée d’Orsay, la Galería Nacional de Washington, el Cortauld Institute, la colección Norton Simon y los museos de Indianápolis, Quimper o Rennes.

Rossetti, nacido en Londres, era miembro de una familia anglo-italiana de literatos; él mismo era pintor y poeta y en 1848 fundó la Hermandad Prerrafaelita, un movimiento artístico que idealizaba la Edad Media. En su juventud fue discípulo informal de Ford Madox Brown, que le transmitió su admiración por los nazarenos, los prerrafaelitas alemanes, y se propuso recuperar la pureza del arte prerrenacentista junto con William Holman Hunt, John Everett Millais y otros. Unía pintura, poesía e idealismo social. El ritual y la ornamentación de la época gótica le influyeron profundamente. En 1854 se consiguió el poderoso apoyo del crítico de arte John Ruskin, pero para entonces el grupo se había deshecho. Posteriormente, con Edward Burne-Jones y William Morris inició una segunda fase del movimiento, marcada por el entusiasmo por un pasado legendario y la ambición de reformar las artes aplicadas, propugnando que el ámbito de las artes incluyera la artesanía. Con Morris como espíritu impulsor, diseñaron vidrieras, encuadernaciones de libros, papeles de pared, bordados o muebles.

Morris nació en Walthamstow, cerca de Londres; diseñador, artesano, poeta y socialista pionero, sus diseños de piezas de artes decorativas revolucionaron el gusto victoriano. En su juventud trabajó con G. E. Street, uno de los arquitectos del movimiento Revival, que se proponía revivir el gótico; bajo la influencia de Dante Gabriel Rossetti abandona la arquitectura por la pintura. Con Ford Madox Brown, Rossetti, Burne-Jones y otros funda en 1861 la empresa Morris, Marshall, Faulkner & Company, una asociación de “obreros de las bellas artes”, para hacer muebles, tejidos, vidrieras, papel de pared…; en 1874 la empresa es reorganizada como Morris & Company. En 1883 empieza a recorrer zonas industriales para difundir el socialismo; funda la Liga Socialista y posteriormente la Sociedad Socialista de Hammersmith. En 1891 empieza a funcionar la Kelmscott Press; en ella imprimen magníficos libros en tipografías diseñadas por Morris e inspirados en fuentes medievales.

La Silla Búho se encontraba en el apartamento que Morris compartió con Burne-Jones en el 17 de Lion Square, Bloomsbury (Londres). En el Victoria & Albert Museum de Londres se conservan dos sillas muy similares a ésta, fechadas en 1856, el año que marca el inicio de la amistad de Rossetti con Morris y Burne-Jones, a la sazón estudiantes en Oxford, y el comienzo de la segunda etapa de la Hermandad Prerrafaelita. Morris realizó muebles con diseños de Rossetti y de Burne-Jones; estas sillas corresponden a un tipo de muebles sólidos de aspecto rural y aire evocadoramente medieval. Pretendían comercializarlos a precios bajos para que todos tuvieran acceso a ellos. Con Rossetti creó también un sillón fino con asiento de juncos.

El más grande de los pintores románticos franceses; su uso del color influyó en el desarrollo del impresionismo y el posimpresionismo. Nace en Charenton-Saint-Maurice, cerca de París; estudia con el famoso pintor académico Guérin y admira a Rubens, a Rafael, a los venecianos y a sus contemporáneos ingleses. Se inspira en acontecimientos históricos y contemporáneos, así como en la literatura; es gran lector y amigo de famosos escritores. En 1825 marcha a Londres y entabla relación con los pintores ingleses; la literatura inglesa le suministra también temas. En 1831 recibe la Legión de Honor; su cuadro más célebre, La Libertad guiando al pueblo, es adquirido por el Estado y expuesto en el Salón con enorme éxito. En 1832 viaja a Marruecos acompañando al embajador francés; descubre Oriente con su luz y sus colores y la experiencia le inspira escenas exóticas toda su vida. En 1839 viaja a los Países Bajos y estudia a fondo a Rubens. Durante tres décadas ejecuta numerosos ciclos decorativos en edificios oficiales e iglesias, sin dejar de enviar obras al Salón.

La firma “E.D.” es utilizada en ocasiones por el artista esos años, sobradamente consolidada su fama; antes prefería una forma más completa. El título reproduce el de una obra del Mesdag Museum (La Haya) atribuida a Jean-François Millet, probablemente inspirada en Delacroix; fue adquirida a un marchante antes de 1886 y se le han asignado fechas entre 1848 y 1855-60. La relación con Millet viene de un préstamo de la obra del Mesdag Museum en 1887; se describe como “una mujer vieja sentada en una roca contempla el mar con terror”. Pudiera tratarse de un estudio parcial para una obra mayor; el pequeño tamaño y la factura abocetada y expresionista se corresponden con los numerosos trabajos de este tipo que realizó durante toda su vida. A este tipo de obras se refiere lo que dijo de él Claude Monet en una carta de 1859: “Son sólo insinuaciones, bosquejos, pero, como siempre, tienen fuego y movimiento”. El análisis de laboratorio confirmó una fecha anterior a 1850 y que los colores se corresponden con los empleados por Delacroix.

Ha llamado la atención una cierta proximidad a las Sibilas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina; en efecto, su postura y proporciones la asemejan sobre todo a la Pérsica; con todas ellas comparte el canon manierista de cuerpo alargado y poderoso y cabeza pequeña. Es una muestra más de su permanente vocación clásica y de su admiración por los grandes maestros del pasado.

Nace en Kaposvár (Hungría). En 1884 marcha a Munich, como muchos de los artistas de su país antes de gravitar hacia París, a estudiar pintura y en 1886 a la capital francesa, donde es discípulo de Munkácsy, el realista húngaro más destacado. En 1888 recibe la influencia de los nabis. Vuelve a Hungría, donde se celebra una importante exposición de su producción de la década 1890-1900. Expone en Alemania y Austria con gran éxito. Realiza también trabajos de diseño de interiores, muebles y vidrieras. Se conservan pinturas suyas en la Galería Nacionalde Hungría (Budapest), National Gallery de Washington, Musée d’Orsay, el MoMA o los museos de Cleveland y Chicago.

Rippl-Ronai era amigo íntimo de Aristide Maillol, que realizó varios bordados antes de convertirse en escultor. Maillol abandonó el bordado porque le había provocado ceguera durante varios meses. Inspirado por los bordados de Maillol, Rippl-Ronai dibujó a tinta en el reverso del lienzo, bordado posteriormente por su mujer. La influencia de Maillol es evidente en el uso del point lancé por Rippl-Ronai; sin embargo, los points lancés de Rippl-Ronai, con frecuencia realzados con pintura al óleo, son de lana y no de seda, más apretados y más planos que los de Maillol. Esto acentúa el carácter decorativo y artesanal de sus cuadros bordados. Maillol y Rippl-Ronai visitaron juntos el museo parisiense de Cluny para admirar los tapices del Renacimiento español, realizados en point lancé. En oposición a los colores delicados y los contrastes sutiles de Maillol, los colores de Rippl-Ronai son brillantes y sus contrastes marcado, lo que aumenta más aún su aire decorativo y artesanal.

Como sus pinturas de hacia 1910, el estilo de los cuadros bordados de Rippl-Ronai se caracteriza por sus tonos verdes, amarillos, rojos y malvas, separados por negro o marrón. Utilizaba colores especialmente contrastados que en 1898 no se atrevía a emplear en sus pinturas de la época -los rojos vivos de sus cuadros bordados contrastan fuertemente con sus amarillos, verdes y negros-, si bien los utilizará una década más tarde en pinturas como Je peins Lazarine et Anelle au jardin, Hepi et les autres ont chaud y Ambiance d’été au jardin de la villa Roma, de hacia 1910. La composición de colores de sus cuadros bordados es la siguiente: el verde es el color dominante, el amarillo el secundario, el rojo terciario y el malva el análogo. El fondo de estas obras es siempre verde (árboles) y amarillo (la luz que se filtra a través de ellos).